BALLET TRIÁDICO DE OSKAR SCHELEMMER ( la danza en la Bauhaus)

 La obra “Ballet Triádico” es una presentación escénica compuesta, diseñada y dirigida por Oskar Schelemmer. Su composición comenzó alrededor de 1912 pero en 1922 se representa en su totalidad y como obra que marcaría un referente en la vanguardia artística alemana. 

Mira el ballet aquí

Para comprender la naturaleza de esta obra tenemos que hacer una retrospectiva sobre su autor. Nos encontramos en una Alemania, que recién salida de la Primera Guerra Mundial, busca reinventarse y romper con todo lo anterior. La guerra trajo un progreso industrial y tecnológico si bien económicamente y socialmente tuvo tal impacto, que pasó mucho tiempo hasta encontrar una “estabilidad”. Es en esta situación en la que una innovadora concepción del arte emerge para reivindicar la novedad, la innovación. La escuela de la Bauhaus fue una escuela de arte creada específicamente para estos fines, pretendiendo ser líder en la precursión de las vanguardias constructivista y modernista. Uno de sus alumnos y posteriormente docente más reconocidos es Oskar Schelemmer, habiendo estudiado bellas artes y posteriormente en la Bauhaus, Oskar era pintor, escultor y diseñador. 

El constructivismo era un movimiento artístico con el que este creador se sentía muy identificado, movido por la utilidad de las obras artísticas y la figura humana, llegó hasta la danza para utilizarla como medio, para hacer una puesta escénica que representase todos los conceptos con los que estaba fascinada media Alemania en esos momentos. Las características son las siguientes:

 La obra de arte tiene comunicación con el espacio que la circunda; he aquí la gran importancia del decorado y el escenario en el que se desarrolla “Ballet Triádico” , el fondo se vuelve el principal comunicador de la obra, el color ( amarillo, rosa y negro) pretende ser el contexto argumental para el espectador. La escena amarilla quiere emular alegría, la rosa transportarnos hacia la solemnidad con un aire ceremonioso, y por último, la escena negra crea un espacio neutro para el misticismo y la fantasía. Otros elementos de la puesta en escena son la rampa y escalera que están presentes en las tres “fases” del ballet. Probablemente tuvieran una utilidad cercana a la espiritualidad para el autor, la rampa se usa como descenso y las escaleras como ascendimiento.   

Otra característica de este movimiento es que la obra se abre al espacio mediante elementos transparentes, geométricos y lineales. Una de las cosas por las que este ballet es tan reconocible es por el vestuario, que utilizando la geometría, dota a los intérpretes de una impersonalidad característica de muñecos, juguetes. Las esferas, los arcos y las líneas rectas integran el vestuario junto con la variedad creada entre los colores primarios. 

Finalmente este ballet reúne otras dos características que lo podrían incluir en el movimiento constructivista. La primera de ellas es que se hace hincapié en lo abstracto pero funcional y la segunda, que por todo lo anterior, se aleja claramente del arte burgués. 

A nivel estructural la obra guarda parecidos con los ballets clásicos, la división en tres actos es común en el mundo de la danza, Schelemmer divide la obra en tres secciones porque el tres “trasciende la dualidad dando lugar al colectivo”.

 

La espiritualidad siempre está ligada de una u otra forma con la experiencia artística, para este creador la obra era “matemática metafísica y artística” y una “fiesta en forma de color”. 

En el ballet busca representar dos valores importantes del movimiento, lo primitivo antes que lo florido y recargado, de ahí la simplicidad geométrica de la coreografía, pudiera ser complejo pero como se presenta de una forma” ordenada” el espectador siempre tendrá la capacidad de procesar la obra en el momento. Otro valor; el ingenio antes que el sentimiento. Ciertamente, aunque “Ballet Triádico” nos puede transportar a momentos reflexivos y si tiene una expresividad, comentada anteriormente en la significación de los colores, no tiene una finalidad expresiva referida a la reflexión emocional, no busca evocar en el espectador el florecimiento del sentimiento. La propia música que acompaña el ballet, compuesta por Paul Hindemith, también busca alejarse de la emocionalidad. 

Obras como esta, me parecen un referente importante, pequeños escalones que conducen hacia la abstracción de la danza, las nuevas formas de expresión y las variantes que aún quedan por explorar. Todas las crisis llevan a una ruptura del orden establecido y deja emerger movimientos e intereses artísticos, que buscando innovar reflejan al mismo tiempo, la sociedad del momento. En esta obra, yo diría que la coreografía es el elemento menos importante de la presentación escénica. Es una excusa, es solo el transporte del resto de valores, los verdaderos protagonistas de este ballet. 

                                                                                          Carmen Cebrián González 

LA MESA VERDE Y "HACIA UNA SEMIÓTICA DE LA DANZA"

LA MESA VERDE DE KURT JOSS JUNTO AL ARTÍCULO "HACIA UNA SEMIÓTICA DE LA DANZA" 

En esta entrada hablaré de la obra La Mesa Verde del coreógrafo Kurt Jooss con referencias al artículo (dejo el link a continuación)

 https://www.academia.edu/5342523/HACIA_UNA_SEMI%C3%93TICA_DE_LA_DANZA_Primeras_aproximaciones

El artículo referido “hacia una semiótica de danza” pone en discusión un tema de vital importancia , que se encuentra en un gran vacío incluso para los y las profesionales de la danza; un lenguaje “estable” mesurable y comprensible internacionalmente. La Semiología es el estudio de los signos en la vida social. ¿Podemos hablar de signos en la danza? Algunos y algunas creadoras si que han explorado en esta pregunta o se han planteado si realmente el lenguaje conocido hasta el siglo XX en la danza , (perteneciente a la danza clásica ) era completo y universal , sin embargo no fue hasta Rudolf  Laban, en mi opinión, que alguien se interesó realmente y dedicó todos sus esfuerzos a establecer un lenguaje en si mismo, común y comprensible. Es probable que la obra que voy a analizar a continuación pueda iluminarme un poco con esta cuestión pues Kurt Jooss , discípulo directo de Laban parece buscar una proyección del mensaje dancístico.

La danza de Kurt Jooss es simbólicamente compleja y reflexiva en contraste con su lenguaje coreográfico sencillo , no hay grandes virtuosismos físicos por parte de los y las intérpretes pero si gran maestría del coreógrafo y creador para denunciar la situación sociopolítica del momento . Esto es quizás uno de los mayores puntos de interés del artista; mientras sus contemporáneos experimentaban vagamente dentro de la comodidad de la danza clásica y las temáticas costumbristas de la época , Jooss formaba parte de los pocos aventurados en un lenguaje dancístico de otra clase, más actualizado al mundo en el que vivían , con historias que retrataban la vida de muchas de las personas sentadas en las butacas del teatro , he aquí la importancia de adaptarse a los acontecimientos; porque así se obtiene la respuesta inmediata del publico que se siente identificado con la danza y hace un viaje emocional a través de la catarsis , uno de los usos primarios de la danza y el teatro en la antigüedad clásica. Profundizando en este aspecto de La Mesa Verde , cada movimiento está planeado con una finalidad simbólica , lo que si podría acercarse a  una semántica propia del coreógrafo y estudiándolo en profundidad, incluso a la semiótica tan discutida por el artículo. Uno de los gestos ( ya que su danza es más cercana al teatro gestual que a la danza puramente dicha , aunque habría que discutir la fina línea entre este y la danza ) es repetido cada vez que uno de los personajes muere en escena , abrir los brazos en sentido horizontal al suelo en señal de entrega, con diferentes matices de desgracia o sufrimiento personalizado según la historia del personaje. Hablando de los personajes y caracteres de La Mesa Verde y su dramaturgia comienzo desde el principio: La escena comienza con una enorme mesa color verde tal como una mesa de billar , es decir un juego (símbolo importante) y una cantidad de interpretes concentrados a su alrededor con unas máscaras casi bizarras semejantes a las tradicionalmente usadas en la comedia del arte (folklore escénico italiano renacentista) parecen representar figuras de poder , altos mandatarios e incluso se habla de que cada peluca y máscara está representando una nación o etnia. Los peculiares hombres trajeados discuten y haces aspavientos para intentar imponerse sobre los demás , parece haber dos bandos claramente diferenciados y ante el problema de realizar acuerdo sacan unas pistolitas ridículas y puramente simbólicas para dar un pistoletazo al aire, como si ellos se limpiaran las manos de la situación y dejaran el trabajo sucio a los personajes que entran a continuación. Como ya he dicho, nada es casualidad y por eso seguida a esta escena puramente gestual se nos presenta un hombre casi fosforescente con maquillaje de esqueleto y una fisionomía imponente. En mi opinión es una alegoría de la muerte en si misma y la guerra. Tras una danza muy estacada y cortante, con movimientos angulosos y rectilíneos acompañados de únicamente dos pianos (como toda la obra) pasa el protagonismo a un soldado portando una gran bandera blanca. La bandera como representación de la nación y la patria, otros soldados comienzan a entrar y vemos representado el primer momento sensible; la despedida entre una mujer y soldado; la he asignado como hermana pues bajo mi lectura Kurt Jooss representa el sacrificio y sufrimiento de la mujer en tres papeles respecto al hombre; hermana, pareja y madre. Otro personaje entra en la escena completando así el elenco, el mimo que es una alegoría de la sátira, del humor humillante por la hipocresía de las situaciones, es un mimo que aplaude cada vez que un personaje entra al “juego” de sufrir las consecuencias de las decisiones de los señores trajeados con máscaras.

Una de las escenas que más me emocionó fue la escena de las mujeres, apoyadas unas a otras y sosteniéndose literal y metafóricamente entre ellas, hay un sentimiento común de protección y apoyo a la madre que ha perdido a su hijo, una mujer que por la diferencia de atuendo y sobre todo el pañuelo blanco a la cabeza sin atorar del todo, se identifica como más anciana. La pobre madre está casi desfallecida , muy afectada por la pérdida de un hijo y es recogida en brazos por la muerte , que la recibe con cierta dulzura dentro de la frialdad lumínica que caracterizará al personaje de la muerte cada vez que aparezca en escena. Más escenas de batallas en las que ya vemos la bandera manchada, sucia , corrompida simbólicamente por las atrocidades empleadas en la disputa. En todos estos símbolos y en la forma en la que están empleados hay mucha teatralidad, dramatismo y pantomima. La obra prosigue con una especie de reunión social donde una muchacha vestida de blanco representando la inocencia, es manejada por varios soldados . Algo que suele ocurrir en las guerras independientemente del lugar del planeta en el que ocurran es que los soldados se creen con el “derecho” de poseer a las mujeres porque “están luchando por su patria , dando la vida por ellas” . Tras esta tortura claramente representada para la muchacha ,ella encuentra el amor pero creyendo quizás que su amado está muerto se abraza a la muerte , casi como anhelándola , cuando esta le ofrece la mano. La penúltima escena , que considero como el momento más magistral de La Mesa Verde es la que yo llamo “ el desfile de la muerte” pues la muerte , portando la bandera , lleva tras de sí como en una procesión a todos y todas las caídas , las vidas que la guerra se ha cobrado , con diferentes posturas bailando a un son muy estático . Ese es el significado en este punto de la obra  de la bandera , no la patria si no las condiciones de sufrimiento que se han generado .

La luz en escena para Kurt Jooss debía esculpir la danza: una de las cosas más llamativas en la obra es como todo el escenario queda sumergido en las sombras , permitiendo que los personajes entren en escena como por arte de magia, sin ser vistos en el trayecto para presentarse en mitad del escenario. La alegoría de la muerte entra siempre sin preparación previa del espectador si no que repentinamente la luz se vuelve fría y ese hombre imponente aparece desde las sombras. Este efecto puede ser comparado con lo que Caravaggio hizo en sus cuadros , estaríamos viendo entonces el tenebrismo en escena.

La música siempre es un factor importante en cualquier arte escénica , en La Mesa Verde se nota claramente los estudios musicales previos del coreógrafo pues los movimientos van “tocando “ la música. Únicamente dos pianos acompañan la coreografía , tanto por falta de medios como por simplificar . La claridad del mensaje es lo importante.

Kurt Jooss produjo La Mesa Verde poco antes de que el partido de Hitler llegase al poder de Alemania , posteriormente vino la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto Nazi. De alguna forma el artista vaticinó , observando la tensión política de ese momento que una catástrofe así iba a sucederse. Es probablemente la información más relevante que rodea a esta obra , y la que la convertirá en un antes y un después, en un modelo para otros creadores y creadoras y la obra que marcaría las vidas de aquellas personas que la vieron en su momento. También dejaría secuelas en muchos y muchas de sus alumnas puesto que Kurt Jooss tras su regreso a Alemania del exilio por la guerra , abre de nuevo su compañía en la escuela Folkwang de Essen , donde nace una nueva generación de bailarinas y creadoras expresionistas de danza teatro como fueron Rheinhild Hoffman , Suzanne Linke y Pina Bauch , esta última considerada una de las más importantes figuras de la danza en el siglo XX . Pina tenía claras influencias de Jooss en todos sus trabajos. La danza teatro la acompaña desde la primera hasta la última de sus obras y sus juegos simbólicos y gestuales , sus metáforas y alegorías fueron aplaudidas y reconocidas por todas las artes .

Volviendo a la discusión de la introducción , lo más parecido a una semiótica en la danza pudiera haber sido la coreútica y la eukinética desarrolladas por Laban , mentor de Kurt Jooss entre otros. Jooss usa el método de Laban para convertir el lenguaje dancístico en algo parecido al lenguaje hablado, con gestos y pasos repetitivos con un significado concreto como si de una palabra se tratase. Su utilización del espacio escénico , la iluminación , la música , el teatro gestual y la danza clásica formulados y combinados entre sí para establecer EL LENGUAJE, la expresión en sí misma , un idioma universal concebido para concienciar y denunciar una situación contextual que quedará en la memoria de todos sus contemporáneos y que aún hoy sigue siendo analizado para remarcar la importancia de las artes escénicas en la sociedad.

                                                                                   Carmen Cebrián González

PRUEBAS DE ACCESO A CONSERVATORIOS SUPERIORES DE DANZA

Estas pruebas son la “selectividad” de las enseñanzas artísticas. En algunos centros duran varios días pero por lo general en los conservatorios de danza suelen realizarse en un mismo día , empezando temprano y sometiéndote a más de seis horas de estrés continuado , bajo la atenta mirada de un tribunal, que pasadas la mitad de las horas están igual de fatigados que tú. Este comienzo no es muy alentador , soy consciente, pero te aseguro que no es más que un mero trámite. Ahora mismo puedes estar pensando que no es cierto , que estas pruebas determinan si eres apto o no para aprender en el centro , que con estas pruebas demuestras tu valía, aptitudes y conocimientos. La realidad es que al igual que en una prueba escrita de una hora y un tema específico no pueden evaluar todos tus conocimientos teóricos y culturales , en una barra tampoco pueden determinar todas tus capacidades escénicas , y es que se nos olvida muchas veces que la danza es más que técnica. En este post te hablaré de mi experiencia y consejos para enfrentarte a ellas.

Si has determinado que vas a presentarte a los conservatorios superiores quiere decir que quieres dirigir tus estudios artísticos a la pedagogía o la coreografía, pero no te encierres en esto. La danza es una actividad viva , que cada día formula nuevas opciones. No te olvides tampoco de que existe el o la artista completa. Miguel Ángel es el maravilloso pintor de la Capilla Sixtina pero también es el genio escultor del David. La historia nos demuestra que el talento no es solo uno , sino la unión y retroalimentación de varias cualidades o facilidades para realizar algo con éxito.

Lamentablemente tus posibilidades son escasas ; coreografía o pedagogía. Desde aquí hago un llamamiento a las entidades administrativas: les alumnes pueden ser versátiles , puede que quieran experimentar y su sed de conocimiento se vea reprimida vetándoles la oportunidad de estudiar todo lo que a la danza respecta, todo lo que puede ofrecer. Un doble grado o un plan de estudios mixto entre ambas especialidades sería una gran iniciativa.

En pedagogía encontrarás asignaturas como : Didáctica y metodología de la danza , Psicología aplicada a la danza , Fundamentos de la educación aplicados a la danza , Fisiología del ejercicio...

En coreografía te encontrarás con : Análisis del movimiento , Composición e improvisación , Taller de creación , Análisis y practica del repertorio , Taller de interpretación , Música aplicada a la danza y Maquillaje , caracterización e indumentaria además de las asignaturas comunes.

Materias comunes: Historia de la danza , Historia de Arte y Cultura , Anatomía, Biomecánica y Patologías de la danza y técnica de danza en función del estilo.

(las signaturas varían en función de los centros educativos pero son semejantes a las indicadas)

Volviendo a las pruebas , para informarte de plazos de inscripción , documentación y realización tendrás que estar muy atenta o atento a las páginas webs de cada centro  a comienzos del tercer trimestre escolar y mi recomendación, es que al comienzo inmediato de este empieces tu preparación. 

¿ A qué me refiero con preparación?

Las pruebas consistirán en varias partes ;una teórica donde pondrán a prueba tu cultura sobre el mundo de la danza , una clase de tu especialidad , la realización de una variación y una improvisación . Al concluir todo esto el tribunal puede formularte algunas preguntas.

   

Entremos en materia. En la prueba teórica probablemente te pidan hacer un comentario de texto sobre alguna personalidad relevante en la danza , en cualquiera de sus estilos. La prueba clásica es comentar una entrevista o un artículo sobre algún coreógrafo/a o precursor/a de este arte que probablemente lleve fallecido un siglo , pero en algunos conservatorios ya se dan cuenta de que la historia se hace cada día y que de nada sirve saber sobre el pasado si no sabes sobre tu época actual y las corrientes que triunfan para el público ,pues son las que te van a dar una posible remuneración económica si quieres vivir de la danza profesionalmente.  Te recomiendo que estés al tanto de las noticias de actualidad en cuanto a danza , de los creadores y creadoras que triunfan y de los y las que no lo hacen tanto pero inventan y generan nuevas fórmulas. Olvídate de saberte todo al dedillo y empieza a formar una opinión propia sobre tus apuntes de historia , comenta y critica desde tu punto de vista. Valorarán mucho que seas una persona capaz de distinguir entre opiniones y con una personalidad propia que reaccione tanto positivamente como negativamente a la sociedad artística del momento. Aprende a distinguir lo que te gusta y lo que no y, lo más importante, porqué. 

Para la clase de danza según tu especialidad el mejor consejo que puedo ofrecerte es que entrenes tu capacidad de ser observada/o. Como he comentado antes la danza es una actividad escénica. La finalidad de un escritor cuando escribe una novela es que esta salga a la luz , la de un coreógrafo es que su obra se represente en un teatro , o en la calle , o en un videoclip musical pero que llegue a un público. Tú como bailarín o bailarina intérprete , eres la herramienta , el método de transporte para la obra. Tienes que llegar al público. En una clase normal, de las cinco que darás a la semana , cada mes del curso, puedes permitirte tener una cara seria o de máxima concentración , de vez en cuando puedes fruncir el ceño expresando tu frustración o un dolor, pero aquí es diferente ; estás en un espacio escénico , es todo una actuación , interpretas el papel del o la aspirante a alumna de ese centro , que se siente cómoda , familiarizada con la exigencia del tribunal , a gusto con tu cuerpo , con tus movimientos , con motivación e iniciativa. Sonríe , disfruta , y si no puedes hacerlo porque tu estado de nervios no te lo permite al principio , fíngelo, interpreta tu papel y la comodidad y seguridad vendrán solas en tu ayuda. Es fundamental que sepas controlar tu expresión .

Variación. Entramos en un tema complicado y es que hay mucha indecisión generalmente a la hora de elegir una variación del repertorio donde te sientas cómoda o cómodo en el papel , que se ajuste a tu nivel y de paso, evites secuencias que te hacen sentir insegura/o y a las que les tienes pánico en la ejecución. Hay un error fundamental que cometemos la mayoría de aspirantes. No elijas una variación como Pájaro azul , como Paquita o Giselle, por ejemplo (variaciones de ballet clásico) es decir, variaciones archiconocidas , archiperformadas , vistas y revistas año tras año . Los miembros del tribunal evalúan esas variaciones seguidamente y probablemente varias veces en las misma prueba de acceso , eso da lugar a comparaciones y a monotonía en la actividad de evaluar . Sorpréndeles con algo nuevo , emocionales con algo que no suelen ver e identifícate ante elles como una alumna o alumno diferente e innovador. Además , en algunos conservatorios permiten variaciones de creación propia , si se te permite , elige esta opción y crea algo que resalte tus cualidades para lucirte , o pide a alguno de tus profesores o profesoras que monte algo para ti, de tal forma que podrás ponerlo a su nombre como si fuera una personalidad ciertamente relevante en la danza. Asegúrate de ponerlo todo a tu favor.

La variación irá seguida de una improvisación. Advertencia , suelen ponerte una música contraria a la que ejecutaste en la variación , por ejemplo , si presentas un solo de violín triste y apenado quizás te pongan batucadas y tambores , música electrónica , beyoncé… Ves preparada/o para todo, PARA TODO. Querrán ver si eres versátil y eres capaz de seguir cualquier ritmo. Yo improvisé con la canción “Bad guy” de Billie Eilish . Una pregunta muy frecuente: si me ponen reggaetón , entonces tengo perrear? …. La respuesta es no. Puedes moverte como quieras , estilo libre , ni clásico , ni contemporáneo , ni flamenco , ni hip hop. Free Stile, pero nunca te pares , no te pares a no ser que esté dentro de tu performance y hagas comprender al tribunal que está justificado, de lo contrario pensarán que te has quedado en blanco y te puntuarán desfavorablemente. Aquí entra de nuevo el entrenamiento del que he hablado antes , profes; vuestros alumnes tienen que saber hacer más cosas a parte de la barra perfecta, tienen que saber moverse utilizando todo el espacio , al ritmo de cualquier estilo musical , entrenando a su mente y a su cuerpo a crear pasos sin meditación previa , a desligar su sistema motor del bloqueo que se produce por tener tan TAN interiorizadas la secuencias ya establecidas o las que calificamos como “lógicas”, porque van a tener que saber moverse de mil maneras diferentes y esta asimilación solo les pone barreras inútiles, incluso para la danza clásica pura.

Después de pasar todo esto , felicidades , prácticamente habrás superado la prueba de acceso, solo quedan un par de preguntas , preguntas a las que supuestamente sabes contestar sin problemas.          ¿ Porqué quieres estudiar aquí? ¿ porqué elegiste esa variación? ¿ Dónde te has formado? ¿ Qué esperas hacer en un futuro?  Cuestiones que sirven para determinar si tienes las cosas claras, y sé que no es fácil , que la danza es un puente colgante que tambalea , compuesto por algunas tablas que no son fiables y otras tantas que aunque están bien colocadas , son frágiles y aguantan poco peso , pero tienes que tener muy claro que quieres cruzar el puente , que te vas a ver al otro lado , triunfante.

Espero que estos consejos te ayuden, y no olvides que puedes volver a intentarlo , que lo peor que puede pasar es no entrar , lo que te dará tiempo para seguir formándote y experimentar en otras cosas que te harán un profesional de la danza más completo y competente.

Un saludo y mucho éxito.