ORFEO Y EURÍDICE de Pina Bausch

Parte 1
Parte 2

 Primero de todo, ahí están los enlaces para poder ver la obra en Youtube.

ORFEO Y EURÍDICE  de Pina Bausch 

La obra de Pina narra el mito de Orfeo y Eurídice desde el momento en que esta ya ha muerto a causa de la picadura de serpiente, el día de su boda, y Orfeo desesperado se propone bajar al infierno para convencer a Hades que la deje marchar de nuevo al reino de los vivos, concediéndole a este su deseo con una condición, no mirar atrás hasta que el sol bañase por completo el cuerpo de su amada, desenlazando en un trágico final pues Orfeo mira a Eurídice antes de que el sol termina de alcanzar toda su piel, quedando en la sombra el pie donde también le mordió la serpiente, muriendo así por segunda vez.

Los y las bailarinas de la Opera de París conforman un elenco de almas o de alegorías; a la virtud, a la fe, a la paciencia y como no, al amor. La fuerza de Orfeo no se encuentra en la brutalidad física si no en el don de la palabra y las artes, con su música logra amainar a Cancerbero, el guardián del infierno y convencer a Hades. Vemos a un bailarín armónico de figura esbelta y movimientos dulces. Un Orfeo que vive en la lamentación y que es empujado por la desesperación a bajar al lugar de donde nadie sale con vida. A pesar de ser el intérprete que claramente más tiempo baila en escena, y que uno de los mitemas sea su sufrimiento, también tiene mucho peso el trágico final, no siendo solamente el desenlace apresurado de otras obras.

Eurídice sale con un vestido rojo hasta los pies contrastando con el espacio y el ambiente estático de los colores neutrales, así como con el cuerpo de Orfeo. Ahora toda la atención está en ella, en la amante que está siendo rescatada de una muerte poco merecida y que lamenta y suplica con sus movimientos como si intuyera de nuevo el trágico final.

La escenografía para Pina juega un papel fundamental, siendo considerada como una de las grandes estrategas de la metáfora y el simbolismo escénico. Las naturalezas muertas y los colores de los vestuarios con gran relevancia para el mensaje a transmitir, son un punto en común en casi todas sus obras. El árbol seco y tumbado de la primera escena, que transmite una imagen desoladora de los efectos naturales e inevitables de la vida. Desde este momento ella ya está aventurando el final. La muerte natural está presente en escena junto a una novia inmóvil, en extremos opuestos del escenario. Y no parecen compartir rango. La novia está alzada por encima de este árbol derruido. El simbolismo de esta escena, que también incluye espejos y un cuerpo de baile enlutado, me parece magistral.

La segunda escena me parece de una subrealidad sin precedentes, los movimientos son livianos, continuos, flotantes. Es como si nos estuvieran presentando a través de la coreografía el ligero velo que separa la vida de la muerte y que Orfeo está a punto de cruzar. La belleza de esta escena se consigue con un ambiente tenue y relajado, con unos vestidos de gasas flotantes color rosa malva, compartiendo escenario con escenografía de parterres de flores y grandes rocas. Lo onírico se reparte su lugar entre los intérpretes y la coreografía en sí.

Probablemente una de las herramientas mas expresivas que trabaja Pina en esta obra es mezclar el mundo de los pensamientos con aquello que vemos desde fuera. Y lo consigue usando la interpretación de cantantes líricas que interpretan grandes piezas, como si su voz y los protagonistas fueran uno solo. Yo no entiendo la letra de estas interpretaciones, pero no me parece necesario para distinguir monólogos internos de dos personas a las que el destino les ha guardado lo peor para el final.

Otra de las metáforas que realmente me ha parecido maestra es la de usar en la segunda escena, unos hilos que ataban a las bailarinas, que trazaban sutiles dibujos en el escenario, y que da la impresión de que todo está ligado, tiene una continuidad y por mucho que se enreden el final va a ser el mismo.

El final inevitable a pesar del llamado “viaje del héroe” en literatura clásica, que es lo que hace referencia a el acto de Orfeo, me parece una de las conclusiones a destacar, igual que en el mito original.

Para finalizar, mi opinión es que la literatura clásica es algo enrevesado de representar, es meterse en una amplia posibilidad de fracaso porque los mitos y leyendas, suelen contar muchas cosas entre líneas, la doble moral, el comportamiento humano instintivo y el racional, los valores y todo aquello que compartimos como sociedad; se enfrentan entre ellos, se dan la mano, se abrazan y en ocasiones se anulan. Darle un valor estético y comprometerse a un autoanálisis no es siempre sencillo. Aunque por la perdurabilidad de los mitos, no solo en la historia en general, si no en la historia del arte, aún hoy en nuestros días, parece ser que seguimos necesitando de sus enseñanzas, de sus retos. 

"ONE FLAT THINGS" de William Fortsythe

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Como análisis general de la obra, una de las primeras cosas a destacar es el espacio utilizado. Parece tratarse de una nave hecha de hierro y madera, como las usadas para las exposiciones universales del siglo XX. Es curioso, porque en mi opinión, encaja mucho con lo que me ha transmitido la obra. Naves de grandes y amplios espacios internos, sin gruesas columnas divisorias, sin muros y contrafuertes, representaron el espíritu arquitectónico de todo el siglo, la era industrial, el uso de nuevos materiales, el ser humano doblegaba las exigencias de las leyes físicas a voluntad de la estética. En este marco, vemos a una masa de 20 bailarines y bailarinas, arrastrar grandes mesas, rectas, sencillas, lo que llamaríamos ahora minimalista. Crean una cuadricula perfecta en mitad del espacio escénico. Un orden inquebrantable, sólido. Los intérpretes vienen a romper con ese orden visual, alteran lo estático con movimientos muy dinámicos. De repente, visualmente falta espacio. La escena se ve saturada y llena de estímulos visuales que llaman tu atención. La sensación es que nunca podrás ver la coreografía que realiza cada uno de los intérpretes. El popurrí de movimiento y colores rompen las líneas creadas en el espacio y constituyen la coreografía en si misma.

Para mí la obra viene a representar la dualidad, los opuestos. Sin darle más vueltas al asunto ni enredarme en conceptos metafóricos y oníricos, esta coreografía parece representar el Orden-Caos, Sonido-Silencio, Estático-Móvil, Recto-Curvilíneo. 

Las dualidades se dan continuamente gráficamente representadas. Voy a destacar una de ellas por su aparición poco frecuente en la danza: Esta obra no tiene música, los únicos estímulos sonoros provienen de la acción de los y las intérpretes, su interactuación con las mesas, con el suelo y con elles mismes.

Al comienzo pensé que las mesas podían estar suponiendo un obstáculo, pronto me di cuenta de que estaban aumentando las posibilidades del movimiento, al contrario de mi planteamiento inicial. Las mesas consiguen crear tres espacios diferentes en el mismo marco. Sobre las mesas, entre las mesas y bajo las mesas. El título de la obra, sin embargo, me ha causado algún quebradero de cabeza. Si bien es cierto que muchas veces los títulos no son relevantes, o quieren hacer metáforas y distracciones, no consigo olvidar lo que dice Margarita Piñero; “los títulos de las obras deben ilustrar”. Es por esto que siempre tenemos la inercia de pensar que el creador está dando un mensaje más, que completa información de la obra, te prevé o te resuelve una situación. En este caso “one flate things” vendría a significar “una cosa plana”. ¿Hace referencia a esa cuadricula que yo comentaba, a la rectitud y la continuidad lineal del espacio? A la parte que son el orden, el silencio, ¿lo estático y lo recto?

Hay acción-reacción de los intérpretes, pero las mesas siguen estáticas. Inertes. Y el elevado dinamismo de la coreografía crea una sensación de saturación, de disturbio, mientras que hay una obsesión de mantener el orden de las mesas (en varias ocasiones los intérpretes “corrigen” los cambios que se puedan producir en la formación de mesas con su movimiento).                

                                                                                          Carmen Cebrián González